Leaving Las Vegas

Drama | USA 1995 | 111 Minuten

Regie: Mike Figgis

Die letzten Wochen im Leben eines Alkoholikers, der beschließt, sich in Las Vegas zu Tode zu trinken, wovon ihn auch die unerwartete Liebesbeziehung zu einer Prostituierten nicht abbringen kann. Eine unbeschönigte Bestandsaufnahme menschlicher Leidens- und Liebesfähigkeit, in der sich Dokumentation und Poesie zu einer ebenso deprimierenden wie beunruhigenden Beschreibung existenzieller Grenzsituationen treffen. In seiner kompromißlosen Konsequenz für manchen Zuschauer ein sicher schwer erträglicher Film, der sich moralischer Kategorisierung verweigert und statt dessen zur Reflexion über individuelle Schicksale einlädt. - Sehenswert ab 16.

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Filmdaten

Originaltitel: LEAVING LAS VEGAS - A LOVE STORY
Verweistitel: Leaving Las Vegas - Liebe bis in den Tod
Produktionsland: USA
Produktionsjahr: 1995
Produktionsfirma: Lila Cazes/Lumière Pictures
Regie: Mike Figgis
Produzenten: Lila Cazes · Annie Stewart
Buch: Mike Figgis
Vorlage: John O'Brien
Kamera: Declan Quinn
Musik: Mike Figgis
Schnitt: John Smith
Kinoverleih: FPV/Prokino Plus
DVD-Verleih: Alligator DVD (1.85:1, DD5.1 dt.), DTS Fsg.: Alligator DVD (1.85:1, DD5.1 & DTS dt.)
Erstaufführung: 9.5.1996
7.11.1996 Video
22.3.1999 DVD
10.10.1999 DVD (DTS Fsg.)

Darsteller: Nicolas Cage (Ben) · Elisabeth Shue (Sera) · Julian Sands (Yuri) · Richard Lewis (Peter) · Steven Weber (Marc Nussbaum) · Ed Lauter (Mafioso) · Laurie Metcalf (Vermieterin) · Julian Lennon (Barkeeper) · Valeria Golino (Terri) · R. Lee Ermey (Versammlungsteilnehmer) · Mariska Hargitay (Hure an Bar) · Danny Huston (Zweiter Barkeeper) · Xander Berkeley (Zynischer Taxifahrer) · Emily Procter (Debbie)
Länge: 111 Minuten
Kinostart: -
Fsk: ab 16; f
Pädagogische Empfehlung: - Sehenswert ab 16.
Bewertung: Sehenswert
Fd-Nummer: 31893
FBW: w
Genre: Drama | Literaturverfilmung
Auszeichnung: Oscar 1996 Bester Hauptdarsteller, Nicolas Cage
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Verleih DVD: Alligator DVD (1.85:1, DD5.1 dt.), DTS Fsg.: Alligator DVD (1.85:1, DD5.1 & DTS dt.)
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Eine Filmkritik von

Franz Everschor

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Der heute 46jährige englische Filmemacher Mike Figgis (siehe fd 13/93 und 16/94) ist einer der wenigen Autoren und Regisseure, die sich selbst auch unter ungünstigen Umständen treu zu bleiben versuchen. Er gehört weder zu den filmischen Romanciers noch zu den Apologeten eines kritischen Kinos. Figgis interessiert sich für die Schicksale hinter den äußeren Ereignissen, die er mit akribischer Genauigkeit beobachtet, aber nicht in Frage stellt. Er ist ein Kartograf menschlicher Probleme, kein Therapeut. Das erleichtert nicht gerade den Zugang zu seinen Filmen, weil viele Zuschauer zumindest den Ansatz zu einer Lebenshilfe auch im Kino zu finden hoffen. Doch Figgis‘ Filmporträts versagen sich und dem Publikum diesen nächsten, interpretierenden Schritt. Sie beunruhigen, und sie hören damit auch noch nicht auf, wenn man das Kino verlässt. Nach einem eindrucksvollen Beginn mit „Stormy Monday“ (fd 27 046) hat Figgis lernen müssen, mit Halbheiten zu leben. Zwar war er in der Lage, sich stets Stoffe zu wählen, die seinen Neigungen entsprechen, doch bei der Ausführung unterlag er den gleichen Schwierigkeiten, die auch anderen Individualisten in Hollywood das Leben schwer gemacht haben (Welles und Losey zum Beispiel): Ein ausschließlich kommerziell ausgerichtetes Produktionssystem zwang ihn entweder zu Kompromissen („Internal Affairs“, fd 28 259) oder ruinierte nachträglich seine Arbeit („Mr. Jones“, fd 30 748). In „Liebestraum“ (fd 30 360) ließ ihn MGM immerhin die Grenzen seiner künstlerischen Fähigkeiten ausloten, in „Schrei in die Vergangenheit“ (fd 31 651) konnte er sich einer Bühnenvorlage annehmen, die erstaunliche Parallelen zu seinen anderen Arbeiten aufweist. Doch zum ersten Mal nach seinem Debütfilm boten ihm der autobiografische Roman eines Alkoholikers und das Geld einer französischen Produktionsgesellschaft die Möglichkeit, ohne Rücksicht auf Agenten, Banken und Studios einen Film ganz nach seinen Vorstellungen zu machen. Das Ergebnis wäre fast durch den Selbstmord des 34jährigen Romanautors John O’Brien vereitelt worden, der Figgis emotional aus der Bahn warf, nachdem er das Drehbuch schon fertig hatte. „Ich habe ernsthaft überlegt, den Film nicht zu machen, doch schließlich rang ich mich dazu durch, dass es das Beste sei, was ich für John tun könnte, weiterzumachen und den Film zu drehen.“ O’Briens Buch ist – in den Worten des Hauptdarstellers Nicolas Cage – der 189seitige Abschiedsbrief eines Selbstmörders. Ben Sanderson ist Drehbuchautor. Der Zuschauer erfährt nicht viel über sein Leben, außer dass er Alkoholiker ist und dadurch bereits seine Frau und sein Kind verloren hat. Nun verliert er auch seinen Job. Doch statt Einsicht oder Selbstmitleid stellt sich in Bens alkoholisiertem Hirn ein messerscharfer Entschluss ein: Er verbrennt seine Habseligkeiten, rafft den Rest seines Geldes zusammen und fährt nach Las Vegas, um sich dort in einem schäbigen Motel zu Tode zu trinken. Ben hat alles genau geplant und berechnet. Es wird drei Wochen dauern bis zu seinem Exitus. Diese drei Wochen lang bleibt Mike Figgis‘ Kamera an seiner Seite. Während Bens körperlicher Verfall langsam fortschreitet, lernt er eine Prostituierte kennen, in die er sich verliebt. Fortan findet der Film eine zweite Bezugsperson, ebendiese Sera, die Ben als seinen Engel bezeichnet. Aber er will nicht, dass der Engel ihn „rettet“. Bevor er mit Sera zusammenzieht, muss sie ihm versichern, ihn nie vom Trinken abzuhalten. Obwohl Ben in seinem Zustand kaum noch zu physischer Liebe fähig ist, entwickelt sich zwischen beiden ein unsentimentales, doch nicht weniger zärtliches Verhältnis. Am Ende ist Ben, wie angekündigt und geplant, tot, und Sera bleibt nichts als die Selbstbekenntnisse bei einem (für den Zuschauer unsichtbaren) Therapeuten. Figgis nähert sich dieser Geschichte wie ein Dokumentarist, aber gleichzeitig wie ein Poet. Indem er seine Darsteller zu totaler Selbstentäußerung anhält, indem er jede Nuance der sich entwickelnden Beziehung und des unaufhaltsam sich nähernden Endes mit der Kamera registriert, liefert er die wohl überzeugendste und realistischste filmische Beschreibung des Alkoholismus in einer an Alkoholikerporträts nicht gerade armen Filmgeschichte ab. Im Vergleich zu „Das verlorene Wochenende“ (fd 65), „Die Tage des Weines und der Rosen“ (fd 11 957), „Unter dem Vulkan“ (fd 24 813) und „Arthur – Kein Kind von Traurigkeit“ (fd 23 297) ist Figgis‘ Film von extremer Kargheit, zurückgenommen und konzentriert auf eine fast klinische Bestandsaufnahme. Doch Figgis bleibt dabei nicht stehen. Ähnlich wie schon bei seinem Erstling, „Stormy Monday“ sind es die reduzierten Ausdrucksmittel der Darsteller, die dokumentierenden, aber nicht abstrahierenden Einstellungen, das Licht und die (von Figgis selbst beigesteuerte) Musik, die dem Geschehen eine über die bloße Abbildung hinausgehende Dimension verleihen. Der Zuschauer, der durch die Verleihankündigung einer Liebesgeschichte zum Besuch verleitet wurde, wird in dem Film alles Sentimentale vermissen. „Leaving Las Vegas“ ist eine der am wenigsten selbstgefälligen Liebesgeschichten. Der aufmerksame Zuschauer wird andere Qualitäten in ihr entdecken: Vorurteilslosigkeit, Anteilnahme und Menschlichkeit. Sie alle leiten sich aus der poetischen Qualität ab, die Figgis dem spröden, ganz und gar unpittoresken Material entlockt. Kein Schauplatz, keine Figur, keine Wendung der Handlung ist das, was man gemeinhin im Kino zu sehen gewohnt ist. Die Straßen und die Spielhallen von Las Vegas haben das verführerische Gleißen mit der kalten Leuchtkraft eines verlöschenden Sterns vertauscht; die Menschen zählen nicht nach dem, was sie sind oder zu sein scheinen, sie werden nur am Ausmaß ihrer Leidens- und Liebesfähigkeit gemessen; wo konventionelle Autorenweisheit Funken beruhigender Hoffnung schlagen würde, folgen die Charaktere dieses Films den Markierungen eines unwandelbaren Schicksals. Es ist ein unübersehbarer Fatalismus, der über der klinischen Kalkulierbarkeit des Geschehens liegt, eine Variation der Todesphilosophie von „Liebestraum“ mit anderen Mitteln, aber es ist eine vermehrt sanfte, mitfühlende Beschreibung langsamen Verlöschens. Der Kreislauf von Zärtlichkeit, Schmerz und Tod ist das beherrschende Thema, das alle Filme von Mike Figgis prägt. Mit einem Budget von nur 3,5 Millionen Dollar, mit der Rückkehr zur Handkamera und zu (später aufgeblasenem) Super-16-Material hat sich Figgis für „Leaving Las Vegas“ die Freiheit erkauft, einen ganz und gar persönlichen, keinem Kompromiss unterworfenen Film zu machen. Für manche Zuschauer mag es mühevoll sein, sich dem Film zu öffnen, weil er eine Welt beschreibt, die einfacher zu verleugnen denn als Bestandteil unserer Gesellschaft zu akzeptieren ist. Figgis beschönigt nichts, er dramatisiert nichts, er kümmert sich nicht um Kommerzialität, er versucht, nichts als ehrlich zu sein. Die traurige Lebensgeschichte des John O’Brien hat in Mike Figgis ihren banalen Anwalt gefunden.

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Dr. Otto Teischel | 01.04.2021

Leaving Las Vegas - Liebe versus Lüge Über die Sehnsucht nach Wahrhaftigkeit in einer verlogenen Welt Die tragische Radikalität des Romans von John D' Brien - der sich zwei Wochen nach Verkauf der Filmrechte erschoss, weil ihm, vierunddreißigjährig und alkoholsüchtig im Endstadium wie seine Hauptfigur, offenbar selbst auf Erden nicht mehr zu helfen war - steht ebenso außer Zweifel wie die ungeheure Intensität der Schauspieler und die hervorragende Umsetzung des Stoffes durch Mike Figgis, der zugleich für Regie, Drehbuch und Musik verantwortlich zeichnet. Auch die aufregende Kameraführung von Declan Quinn, die der chaotischen Gefühlslage der Protagonisten entspricht, hat erheblichen Anteil am ergreifenden und unvergesslichen Eindruck dieser verzweifelten Liebesgeschichte zwischen Ben und Sera, gespielt von Nicholas Cage und Elizabeth Shue. Was im Zusammenhang dieses Films aber ganz besondere Aufmerksamkeit verdient, ist die Tatsache des außergewöhnlichen und einhelligen Erfolges einer so extrem hoffnungslosen, verstörend aufrichtigen und zugleich wie von heiligem Ernst beseelten Filmhandlung bei Kritik und Publikum. Und das gerade in sich sonst so maßlos hedonistisch gebärdenden Zeiten, da man lieber scharenweise in blödsinnige Komödien und Actionfilme rennt und existentiellen Konflikten und deren Darstellung im Film eher Alibifunktion zuzukommen scheint. Es bleiben Stoffe, die man zwar auch gelegentlich thematisiert, aber eben ausnahmsweise und erfolgreich nur dann, wenn die jeweilige Problemlage nicht länger zu verdrängen ist und bereits dem öffentlichen Bewusstsein entsprach (wie zum Beispiel seinerzeit der Aids-Film Philadelphia oder Dead Man Walking über die Todesstrafe). Doch hier liegt der Fall in jeder Hinsicht anders: der Film greift weder irgendeine aktuelle gesellschaftliche Problematik auf noch zielt er vordergründig auf voyeuristische Instinkte - dazu ist er viel zu subtil und sensibel. Vielmehr führt er uns eine geradezu klassische Grenzsituation vor Augen, und zwar nicht als Sozialdrama oder Milieustudie, sondern gewissermaßen aus der philosophischen Innenperspektive der beiden Betroffenen: Außenseitern der Gesellschaft, zwei Gescheiterten am Rande des Abgrunds, deren Liebe keine Zukunft hat - weil zumindest für Ben jede Hoffnung zu spät kommt - und die dennoch (oder gerade deshalb?) gemeinsam für ein paar wunderbare Momente des Glücks erfahren, wie es ist, einem anderen Menschen vollkommen zu vertrauen und sich ihm ohne Verstellung hingeben zu können. Ben, der Säufer, und Sera, die Hure, erleben zum ersten und einzigen Mal, was wirkliche Liebe bedeutet, als sie gar nicht die Absicht haben und auch nicht mit ihr rechnen. Beide hatten sich längst mit ihrem enttäuschenden Lebenslauf abgefunden: Ben hatte seinen Selbstmord auf Raten beschlossen und Sera verkaufte immer wieder ihren Körper - und dass sie einander dabei gerade in Las Vegas begegnen, ist der entscheidende Hintergrund für das Verständnis des Films und besagt mehr, um die Wurzeln ihres Dramas zu erhellen, als jede mögliche Rückblende in beider Vergangenheit es leisten könnte. Für Alkoholismus und Prostitution mag es tausenderlei verschiedene konkrete Gründe geben, die sich in jeder einzelnen Lebensgeschichte anders darstellen, immer aber bezeugen sie die verzweifelte Anstrengung, eine zerstörte Einheit wiederzugewinnen und seine verletzte Seele zu retten, in einer Weise, die dem erlittenen Missbrauch gerade entspricht: Ohnmächtige Angst wurde immer nur beschwichtigt, das Bedürfnis nach Nähe und Zuwendung nur ans eigene Wohlverhalten gebunden. Die Sehnsucht des Menschen wurde allzu früh enttäuscht und blieb auf Ersatz angewiesen. Man speiste ihn so lange mit Lügen ab, bis er sie für die Wahrheit zu nehmen begann und sein Glück für herstellbar hielt. Ein so verzweifelter Geist konnte schließlich auch ein Las Vegas hervorbringen, diese stadtgewordene Lüge, in der alles Glück nur scheinbar ist und jede Freude ihren Preis hat. Ein Ort als gigantische Droge - Symbol der Ersatzbefriedigung und inneren Leere, beherrscht von nacktem Materialismus und zynischer Lieblosigkeit, an den man kommt, um zu gewinnen oder zu verlieren - in jedem Fall aber, um zu vergessen. Ein Ort, an dem einem nichts geschenkt wird und man für alles bezahlen muss. Gerade dort wollten Ben und Sera, jeder für sich, ihr Schicksal auf die Spitze treiben, sich zu Tode saufen beziehungsweise schnelles Geld verdienen, als versuchten sie, ihre unglückliche Welt mit deren eigenen Mitteln zu bekämpfen. So treffen sie einander - scheinbar ganz zufällig - und erleben, wie ein Geschenk des Himmels, diese aufrichtige Liebe, von der sie beide nicht einmal mehr zu träumen wagten. Wie ein letztes Aufbäumen der Wahrhaftigkeit geschieht ihnen dieses Große im Leben und kommt doch zu spät für eine Umkehr. Zu lange schon haben sie ohne Hoffnung in der Lüge existiert und sich deren billigen Trost überlassen, um einer gemeinsamen Zukunft noch trauen zu können. Sie verlassen Las Vegas nur im Rausch der wenigen glücklichen Augenblicke, die ihnen im Angesicht des Todes noch verbleiben. Aber diese Momente erscheinen so warmherzig und rein zwischen den beiden, sie gehen so zärtlich und behutsam mit ihren geschundenen Körpern und gequälten Seelen um, dass jeder Blick, jede Geste und jedes Wort dieser Verlorenen wie zu einer schreienden Anklage der sie umgebenden Lieblosigkeit wird. Als fänden Ben und Sera erst zueinander - und wieder zu sich selbst -, als es keine Ausflucht mehr gibt und ihre Not und Verzweiflung so groß sind wie am Anfang, als sie auf ihre tragischen Abwege geraten waren. Jetzt, da es zu spät ist, erkennen sie ihr eigenes Elend in dem des anderen wieder und lieben in ihm endlich einmal auch sich selbst. Aber mussten wir immer erst so tief sinken ? Es könnte so einfach sein, sich nahe zu kommen, wenn wir, wie die da auf der Leinwand, nur aufhörten, einander über die eigene Verzweiflung hinwegzutäuschen, uns zu verstellen und zu benutzen, statt aufrichtig unsere Ohnmacht zu bekennen. Warum nur haben wir die Lüge so nötig, warum suchen wir immer neue Ausflüchte, unsere Wirklichkeit zu verdrängen und uns über sie zu belügen, da wir uns doch alle nach einer so wahrhaftigen Liebe sehnen? Weil wir eine entsetzliche Angst in uns tragen, gewiss. Aber die verschwindet auch nicht im Delirium in Las Vegas oder sonst einer Betäubung, sondern einzig und allein durch die Liebe eines Menschen, mit dem auch wir es ehrlich meinen. Ahnen wir das vielleicht längst und haben allmählich genug von dieser verlogenen Oberflächlichkeit um uns herum? Gefällt uns allen deshalb dieser Film so sehr? Schön wär's - ein Zeichen der Hoffnung noch zu Lebzeiten...

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